Life of Opera Singer

'예술에 있어 명 브랜드화의 중요성'

  브랜드가치는 기업의 매출이나 기업자산과는 다른 또하나의 경제적 가치이다.
  문화상품 또한 브랜드의 명성에 따라 소비가 좌우된다. 오히려 공연, 전시 등 많은 문화 상품들이 미리 소비해 볼 수 없다는 상품적 특성 때문에 브랜드의 명성이 차지하는 비중이 더욱 클 수 밖에 없다. 연주를 들어보지 않고 그 연주가 감동적일지는 아무도 자신 할 수 없다. 게다가 문화 상품은 소비자와의 상호작용으로 가치를 발생시키는 경향이 있기 때문에 소비자의 긍정적인 소비자세는 소비만족에 결정적인 영향을 미친다.
  현란하고 자극적인 광고에도 불구하고 짜증이 절로나는 상품도 많고 비평가들의 조언이나 상품의 내용 안내서 조차 실제소비와는 동떨어진 것이기 일쑤이다. 당연히 소비자는 낯선 광고나 안내를 신뢰하지 않는다.
  이런 경우에 상품의 가치를 미리 판단하고 소비를 결정할 때 가장 중요한 잣대로 삼는 것으로 가격이나 구매의 편리성 따위 보다 브랜드의 명성이 월등히 앞선다는 연구결과가 나온 적도 있다. 어떤 오케스트라는 오랫동안 일정한 수준 이상의 연주를 해왔고 어떤 연출가는 매번 관객을 실망시키지 않았다. 어떤 가수는 앨범에 실린 모든 곡들을 성실하게 만들었고 또 어떤 극장에서 영화를 보면 적어도 후회는 하지 않더라. 이것이 명 브랜드다.
  물론 그 명성은 하루 아침에 만들어지는 것도 아니고 원한다고 다 얻게 되는 것도 아니다. 가치를 창출하기 위해서는 투자가 필요하고 그 투자는 금방 재화로 되돌아오지 않을 수 도 있다. 꾸준하고 성실한 장인정신, 끊임없이 변화를 추구하는 창의성 그리고 소비자에 대한 배타적 존중을 두루 갖추고도 또 많이 노력해야 비로소 획득되는 것이 명 브랜드다.
  요즘처럼 소비자가 선택을 신중히 하고 시장규모는 대폭 줄어드는 상황에서 명 브랜드를 만들기 위해 쏟은 노력은 더욱 빛을 낼 모양이다.

-발췌, 극장경영과 공연제작 이승엽 저

'복합문화공간(아트 콤플렉스)의 특징'

  복합문화공간이라는 이름이 등장한 것은 20세기 후반부의 일이다. 각각 다른 동기를 가지고 출발한 복합문화공간의 예는 우리 나라의 예술의 전당 외에도 뉴욕의 링컨센터, 런던의 바비칸 센터와 사우스뱅크, 워싱턴의 케네디 센터, 호주의 빅토리안 아트센터와 시드니 오페라하우스, 파리의 퐁피두센터, 뮌헨의 가스타이, 일본의 아이치아트센터 등이 꼽힌다.
  이들 복합문화공간들의 특징은 다음과 같다.
  1.사업의 배경은 대규모 국책사업이다. 규모나 재정적인 측면에서 국책사업의 성격으로 추진할 수 밖에 없다. 따라서 정책의 목표는 문화예술적인 측면의 상위에 있을 수 있다. 즉 정치적, 사회적, 경제적 필요가 복합적으로 작용하는 것이다. 많은 복합문화공간들이 도시재개발사업이나 국가상징사업으로 추진되었다.
  2.공간적으로는 전문공간의 집합체이다. 복합문화공간은 전문적인 공간들이 모인 곳이다. 기왕의 공간들이 한 곳에서 다양한 장르를 소화하거나 전문공간들이 독립적으로 떨어져있던 양태와 대조를 이룬다.
  3.수용장르의 측면에서는 보다 다양해졌다. 대부분의 복합문화공간이 수용하는 문화예술의 장르는 공연예술과 조형예술, 교육, 축제 등으로 확대되어 있다.
  4.경영의 측면에서는 효율을 중시한다. 새로운 시스템을 도입하여 보다 현대적인 경영이 시도되고 있다.
  5.명소화도 하나의 특징이다. 방대한 규모, 현대적 시스템, 국책사업 등의 성격 때문에 그 지역 또는 국가의 대표적 기념물로 자리잡는 것이다.

  새로운 형식인 문화공간인 만큼 논의가 충분하지 않으나 앞으로 공연예술을 비롯한 문화예술의 현상을 설명하는 중요한 한 요소가 될 것으로 전망된다.

-이승엽 저서 극장경영과 공연제작 중

'산업적 측면으로서의 공연예술과 시장규모'

  공연예술의 산업적 측면을 강조하는 경우, 예술작품이 더 이상 예술작품으로만 존재하지 않고 복제되거나 대량생산되어 유통되는 것은 물론 이를 바탕으로 하는 연관산업까지 크게 늘고 있다는 점을 주목하며 중요시 한다. 이는 자연스럽게 예술의 경제적 기능에 눈길을 돌리게한다.
  예술은 직접적으로는 고용과 생산활동의 경제적 역할을 할 뿐만 아니라 지역사회의 관광이나 컨퍼런스 산업 등 관련산업과 국가나 지역의 이미지에 이르기까지 광범위하게 작용한다는 것이다.
  한편 1999년에 제정된 우리 '문화산업진흥기본법'은 문화산업을 '문화상품의 생산, 유통, 소비와 관련된 산업' 이라고 정의하고 문화상품은 '예술성, 오락성, 대중성 등의 문화적 요소가 체화되어 경제적 부가가치를 창출하는 유형, 무형의 재화와 서비스 및 이들의 복합체' 라고 정의하고 있다.

  서비스산업은 제조업과 대칭되는 용어로 무형의 상품 거래를 통해 부가가치를 발생시키는 산업분야이다. 호텔이나 오락, 전력, 수송, 금융, 정보, 통신서비스 등이 모두 여기에 해당된다.
  일반적으로 서비스의 기본적 특성으로는 무형성, 이질성, 생산과 소비의 동시성, 소멸성 등 네 가지를 드는데 공연예술상품의 특성과 잘 어울린다.
  공연예술은 전형적인 무형의 상품이다. 일부 유형적인 요소들, 예를 들어 극장이나 극장시설, 무대장치와 배우, 의상 등을 몸으로 직접 체험하거나 만질 수 있지만 실제 관객에게 제공되는 것은 이들이 모아져서 만드는 무형의 공연이라는 상품이다. 공연을 보는 것을 객관적으로 설명하는 것이 불가능한 지극히 주관적인 소비 행위이다.
  같은 극장에서 같은 스태프와 같은 캐스팅으로 공연한다고 해도 각각의 공연은 다르다. 출연자들의 컨디션이나 극장의 상태, 설비의 가동상태 등에 따라 달라질 수 있으며 어떤 관객들이 어떤 목적으로 왔느냐에 따라서도 달라진다. 방학숙제를 하기 위해 공연을 관람하는 관객과 감동받기 위해 관람하는 관객에게 공연물은 달리 작용한다. 똑같은 관객은 존재하지 않는다. 혹시 물리적으로 같은 관객이 같은 공연을 같은 극장에서 관람한다 해도 이전과 같은 공연은 아니다.
  공연은 반드시 무대와 객석이 있는 극장(또는 극장 기능을 하는 공간)이라는 공간에서 공연되며 공연행위와 관극행위는 동시에 이루어진다. 관객은 공연 현장에 존재하며 공연에 직접 참여한다. 관객들 사이에서도 관극에 영향을 준다. 유료관객이 많은 공연은 초대관객이 많은 공연보다 관극분위기가 좋다.
  공연이 일단 시작되면 빈 좌석은 더 이상 판매할 수 없다. 공연 후에 공연이 마음에 들지 않는다고 관객이 항의하더라도 그 공연과 극 행위를 물리거나 입장권을 다른 관객에게 되팔 수 없다. 공연자 측의 명확한 실수 때문에 환불 할 수 는 있지만 이 경우에도 관객의 관극 행위를 물리거나 되팔 수는 없는 것이다.

  공연예술의 시장규모는 측정하는 기준에 따라 달라진다. 공연 시장에서의 공연상품의 매출규모와 공연예술에 투입되는 규모 즉 비용이 크게 차이가 나는 것이다. 이것은 기본적으로 공연예술이 비용보다는 수입이 적다는 것을 의미한다. 다른 산업분야가 매출규모 안에 모든 비용과 이익이 포함되는 것과는 정반대이다. 비용과 매출의 차이는 대부분 정부나 지방자치단체의 지원금 등 공공지원금과 민간기부금으로 충당된다.
  공연상품의 매출은 공연의 입장권을 팔아서 올리는 입장 수입을 중심으로 협찬수입, 광고수입, 기타 상품 판매수입 등으로 이루어진다.

  공연예술분야를 전망 좋은 분야로 알고 몸을 던지려고 하는 젊은이들에게는 매우 실망스러운 수치가 아닐 수 없다.
  문화산업은 미래산업의 대표적인 분야의 하나로 손꼽힌다. 그런데 막상 그 시장을 들여다보니 시장규모는 너무나 초라하다. 연극계, 무용계, 음악계 등 우리나라 문화예술의 중요한 바탕과 기둥을 이루고 있는 공연분야의 전문가들이 힘을 모아 작업한 결실을 재화로 환산한 수치는 허무할 정도이다. 옛부터 '배고픈 직업' 이라고 불리운 것이 나눠먹기에는 너무 작은 파이에 있었던 것으로 짐작된다.
  물론 공연예술은 공연시장의 매출로만 지탱되는 것이 아니다. 그러나 적어도 문화산업 또는 공연상품이라고 한다면 시장의 법칙에 따라야 할 것이다. 공연상품에는 소비자의 드러나지 않은 문화적 갈증을 모아 극장으로 끌어들이려는 획기적인 노력이 필요하다. 공연계가 튼튼한 재생산구조를 갖추는데는 시장규모의 확대가 절실한 것이다.

-발췌, 극장경영과 공연제작 이승엽 저

'공연 예술에 공공지원이 필요한 이유'

  오늘날 공연예술(연극, 오페라, 음악, 무용 등)은 생산성 지체 등으로 재정적 문제를 맞고 있다. 해답은 여러가지가 있지만 공공지원이 그 중 강력한 해결책으로 제시된다.

  공연예술은 언뜻 많은 대체재를 가진 것 처럼 보이고 그래서 공연상품이 가격에 대해서 매우 탄력적일 것이라고 생각하기 쉽지만 실제로는 그렇지 않다. 공연예술에 대한 기호는 후천적으로 개발, 교육되는 것으로 다른 것으로 쉽게 대체되지 않기 때문이다. 따라서 입장료를 낮춘다고 해도 관람객들이 폭발적으로 늘지 않는다. 공연예술의 수요는 가격에 대해 비탄력적이라는 것이다.
  소비자 수요 탄력성의 가장 큰 변수는 바로 '공연의 질적 변화' 라는 주장이 설득력을 가진다. 즉 가격이나 소득의 변화에도 수요는 크게 동요하지 않지만 공연의 질의 변화에는 민감하게 반응하는 것이다.

  공연예술의 상대적 생산성 지연 또는 중단은 상대적으로 비용을 증대시키고 이를 그대로 입장료에 반영한다면 입장료는 다른 부문에 비해 훨씬 빨리 상승할 것이가. 이는 시민들의 공연예술 접근에 대한 장애로 작용할 것이고, 공공재인 공연예술로서는 견디기 어려운 지경에 봉착하게 될 것이다. 따라서 입장권 가격을 증가된 경비만큼 올리지 못한다면 공연단체는 비용을 줄이려고 할 것이다. 즉 비용이 많이 드는 작품을 기피한다든지 필요한 제작인원과 출연자를 최소화 하려고 할 것이다.
  이처럼 필연적이지만 바람직하지 못한 현상을 타파하기 위해 공공지원이나 민간기부가 필요한 것이다. 공연예술이 일정한 수준을 유지하며 발전하여야 하고 공공재로서 시민들의 접근을 막지 않기 위해서는 공공지원금과 기부금이 점점 커지는 비용과 수입격차를 메워주어야 한다.
  
  공연예술의 경우에는 진입장벽 등으로 인하여 소수의 거대 공연예술 단체가 고용, 관객, 수입 등을 지배하는 일종의 과점적 시장형태를 보여준다.

  공공재는 일반적으로 사적 편익과 함께 외부 편익을 가지는데 교육이 그 대표적인 경우 이다.  교육을 받는 사람은 당사자의 취업이나 신분 상승과 같은 사적인 편익을 얻지만 그 이상으로 다른 사람들에게 이득을 안겨준다. 즉 그 사람이 잘 교육되면 사회 질서와 발전에 기여하게 되므로 나머지 사회구성원에게 이익을 주는 것이다. 그렇다면 사회가 교육에 투자하는 것은 전체 사회의 외부편익을 증대 시키는 것이다.
  예술은 이런 집단적인 외부 편익이 존재하는가 하는 것은 예술의 공공재로서의 특성을 규정하는 중요한 요소가 된다. 문화경제학자들이 주장하는 외부 편익은
1.후세에 대한 유산
2.국가적 정체성과 위신
3.지역 경제에 대한 기여
4.자유로운 교육에대한 기여
5.예술참여자들의 사회적인 증진
6.예술의 혁신성
으로 정리가 된다.
  공연예술이 위에 열거한 외부편익을 가지는 것은 분명하다. 셰익스피어의 전통이나 베토벤의 전통은 후세에 대한 큰 유산이 되고 유명한 음악가를 가진 나라와 국민은 국가적 자긍심을 가질 수 있다. 공연 예술이 주는 지역 경제에 대한 기여는 이미 검증된 바이고, 공연 자체가 주는 교육적인 효능, 공연 관람으로 얻어지는 지적, 감성적 고양은 측정할 수는 없으나 존재한다고 믿는 부분이다. 예술의 혁신성이란 예술적인 실험은 비용이 많이 드는 반면 실패하기도 쉽지만 성공해도 그 성공을 독점하지 않는다는 뜻이다.
  공연예술이 외부편익을 가진 공공재로서의 성격을 띤다면 정부는 당연히 그 비용의 일부를 부담하여야 할 것이다. 그러나 치안이나 교육 등 다른 분야의 외부편익보다 예술의 외부편익은 더욱 추상적이기 때문에 어느 정도의 지원이 이루어져야하며 어느 정도를 생산하는 것이 좋울지 결정하기 어렵다.

  공연상품은 직접 소비하기 전에는, 즉 입장원을 구입하여 공연을 직접 보기 전에는 공연상품의 품질을 분별할 수 없는 경험재에 해당한다. 경험재의 경우 가장 두드러지는 문제는 생산자와 소비자간의 비대칭적인 정보에서 비롯된다. 생산자는 상품에대한 정보를 가지는 반면 소비자는 구입하기 전에는 품질에 대해 아무 정보도 가질 수 없거나 가진다 해도 매우 불완전하거나 선별된 정보만을 소유할 수 있다. 이러한 경우 소비자는
1.상품의 품질에 대한 객관적인 정보 수집(텔레비전 광고 포스터, 전단 등 광고룰 통한 정보 보다는 전문가의 평이나 주위 사람의 입소문을 통해 진실에 가까운 정보를 수집)
2.과거의 소비경험을 이용한 상품 구매(자신이 극장에서 직접 만났던 공연의 주인공이나 주요 스태프는 다음 작품 선택에 결정적인 영향을 미침. 따라서 과거 소비경험이 없는 신입자들일 경우 상대적으로 불리 할 수 밖에 없어 진입장벽으로 작용할 수 있음. 공연예술에서 스타 탄생이 극적인 것은 그만큼 소비패턴이 보수적이기 때문. 규모가 큰 공연을 만들면서 스타를 캐스팅하는 것도 이 때문.)
이 두가지 방법으로 품질의 불확실성에 따른 예상 피해를 줄이려고 한다.

  소비자가 구입하기를 희망하는 양보다 더 많이 제공되는 것이 바람직하다고 사회가 결정한 재화를 가치재(merit goods)라고 한다. 가치재로서 가장대표적인 것이 교육이다. 사회는 체재유지와 생산성 향상을 위해 더 많은 교육을 받은 사회구성원을 요구하지만 구성원들의 의지에 맡겨두면 사회가 희망하는 만큼의 교육이 이루어지지 않는다. 따라서 사회는 교육 서비스가 개개인의 삶의 질을 향상 시킬 뿐만 아니라 사회의 유지와 발전을 위해 필요하므로 공공재원을 투입해서 더 많은 교육 서비스가 이루어져야 한다고 결정하게 된다.
  이처럼 가치재로 판단되는 재화는 공공지원으로 가격을 낮춰 소비를 증가시키게 된다. 이는 예술에 대한 공공지원의 또 하나의 명분으로 작용한다.
  예술은 개인이나 사회에 꼭 필요한 '가치 있는 것' 이며 시장의 논리에 맡겨두면 그 가치에 걸맞는 소비가 이루어지지 않을 것이기 때문에 정부가 이를 지원하며 소비를 증가시켜야 한다는 것이다.
  공연예술 그 자체가 본질적인 존재가치를 가지고 있으며 관극행위가 개인이나 사회에 크게 도움을 줄 수 있다고 믿는다면 가치재로 성립될 수 있을 것이다.

-발췌. 극장경영과 공연제작, 이승엽 저

'뮤지컬과 오페라의 차이점'

  뮤지컬은 오페라의 한 부류인 오페레타에서 시작을 하였다. '오페레타'는 19세기 후반에 발달한 대중적인 음악희극으로서, 오페라가 그 뿌리이다. 그렇기 때문에 뮤지컬은 오페라의 형식을 많이 닮았다. 그러나 오페라와 뮤지컬은 명백한 차이점이 있다.

  우선 뮤지컬과 오페라의 차이점을 말하기 전에, 이둘의 공통점은 극작가, 연출가, 안무가, 배우, 가수, 무용가, 의상 디자이너들의 공동 작업을 한다는 것이다. 그리고 뮤지컬과 오페라는 가창으로 인물들의 심리상태를 표현하는 극이라는 것이다. 물론 요즘은 댄스컬이라던지 넌버별(대사가없는) 뮤지컬들도 생겼다.

  이렇게 공통적인 요소가 많은 뮤지컬과 오페라의 두드러진 차이점을 보저면, 우선 오페라를 보면, 고전 문학의 스토리가 고전주의 음악형식에 근거하고 있다. 그리고 연극성 보다는 가창 위주의 공연으로 아리아, 중창, 합창 등으로 3가지로 구성 되어있다. 또한 오페라의 창법(벨칸토)이라는 독특한 발성법으로 부른다는 것이 특징이다. 이에 반하여 뮤지컬은 '프리젠테이션 극((Presentational Theatre)'이다. 무대 위의 뮤지컬 배우가 관객을 끊임없이 의식하며 공연하기 때문이다. 작품에서 뮤지컬 배우가 극 중의 상대보다는 관객을 향해 노래 부르고, 또 관객이 여기에 박수로 답례하는 것은 프리젠테이셔널 극의 한 예라고 할 수 있다.(상대 배우를 의식하면서 부르기도 하지만 주로 무대 밖 관객을 향해 부른다.)

다음으로, 뮤지컬은 또한 '대중극(Popular Theatre)'이다. 보고 듣고 즐길거리를 찾는 관객들을 충족시켜 주는 요소를 중점으로 두고 있기 때문이다. 뮤지컬은 향락적이고 오락적인 것을 추구하는데서 출발하렸다. 그런 공연양식을 견지하면서 크게 타락하지 않고 오늘에 이를 수 있었다. 뮤지컬의 대중극으로서의 성격은 상업성 및 사회적 윤리와 깊은 관련을 갖고 있다.

마지막으로, 뮤지컬은 그 형식상 특수한 약속(convention)이 필요한 극' 이다. 여기서 말하는 특수한 약속이란? 극의 작가, 배우, 관객이 묵시적으로 인정해 주는 것인데, 이 특수한 약속을 제대로 알지 못하면 뮤지컬을 보다가 납득하기 어려운 경우가 발생한다.  예를 들면 뮤지컬 '웨스트 사이드 스토리'에서 갱들의 싸움이 벌어지는 절박한 순간에도 배우들이 노래하는 장면은 일반적인 상식에 익숙해져 있는 관객에게는 생소할 것이다.(어떤 관객은 이런 상황을 납득하지 못하여 뮤지컬은 굉장히 비현실적이라고 한다.) 이 외에도 세계 4다 뮤지컬에 속하는 '미스 사이공', '레 미제라블' 같은 경우 수많은 작품 속이서 전쟁 장면이나, 주인공 끼리의 격한 감정이 충돌하는 상황에서 노래를 부른다. 그것은 뮤지컬만의 특징이며 이런 극 중 노래들을 뮤지컬 넘버라고 부른다. 이들 뮤지컬 넘버들을 세심하게 들으면 극의 흐름, 극 중 배우들의 감정 등이 잘 스며들어 있음을 알 수 있다. 그래서 노래들이 낯설지 않고 드라마와 자연스럽게 어울려 관객들을 감동 속으로 몰아넣게 되는 것이다.

"문화예술계, 서면계약 미작성시 500만원 이하 벌금"

한국예술인 복지재단
서면계약위반 신고, 상담 창구
www.kawf.kr 02-3668-0200

2021년 민간공연장활성화지원(공연장대관료지원 2차) 공모 안내

사업목적

공연제작비 중 부담이 큰 대관료의 일부 지원을 통해 민간 공연예술단체(개인)가 안정적으로 후속 작품을 창작/발표할 수 있는 여건 마련
코로나19 확산에 따른 공연예술단체의 피해 경감 대책 시행을 통해 취약해진 공연예술계 창작여건 강화

지원신청자격

기초공연예술 분야 민간예술단체 및 예술인(단, 개인의 경우, 개인 창작발표에 한함)
문화예술진흥법에 의한 전문예술 법인 및 단체
※ 단체(법인) 공연인 경우 반드시 단체(법인) 명의로 신청 (프로젝트 그룹일 경우 그룹의 대표 1명이 개인 명의로 신청)

지원내용

지원대상 : 공연법 상 정식 등록된 공연장에서 진행된 국내 예술단체(예술인)의 기초공연예술 분야(연극/뮤지컬·무용·음악·전통예술·다원예술) 대관 공연의 대관료 및 부대시설사용료
유형1 공연종료일이 2021.4.1.~2021.7.31. 내에 포함된 공연
유형2 공연시작일이 2021.4.1.~2021.7.31. 내에 포함된 공연을 진행할 예정이었으나, 코로나19로 인하여 취소된 공연
지원내용 : 순수대관료(설치 및 리허설, 공연대관, 철수대관) 및 부대시설사용료
지원규모 : 총 대관료(부대시설사용료 포함)의 90%까지 지원 (부가세 10% 제외)
단체(개인)별 연간 최대 3천만 원

지원신청

신청기간 : 2021. 8. 2(월)~8. 16(월) 18:00까지
신청방법 국가문화예술지원시스템(www.ncas.or.kr)을 통한 온라인 신청

문의처 : 민간공연장활성화지원 TF

전 화 : 02-416-1371 (평일 10:00~17:00 / 점심시간 12:00~13:00 제외)
이메일 : goon2020@arko.or.kr

[공연예술] 공연예술 표준계약서(창작, 출연, 기술지원)

공연예술분야 표준계약서
- 표준 창작계약서, 표준 출연계약서, 표준 기술지원 계약서(13.5월)

문화체육관광부 "공연예술 표준계약서(창작, 출연, 기술지원)" 저작물은 "공공누리 1유형(출처표시)" 조건에 따라 이용할 수 있습니다.

출처 문화체육관광부
https://www.mcst.go.kr/kor/s_data/generalData/dataView.jsp?pSeq=12&pMenuCD=0405050000&pSearchType=01&pSearchWord=&pCurrentPage=1